Happy New Year...

With my best wishes for the next year...

Un saludo de final de año

Amigos, para todos ustedes que enriquecen y dan sentido a este espacio con sus visitas desde lugares tan diversos:

Un saludo especial al final de este año, desde la Fundación Aequalis (ver en modo 'pantalla completa').

Que 2011 nos ofreza muchos momentos para seguir compartiendo ideas y experiencias sobre la música coral.

¿Qué oir? Tips para escuchar (metodología de ensayo)

El elemento sonoro es el material de trabajo con el cual labora un director. Es el barro para el artesano. Al tomar una partitura en sus manos, emplea sus conocimientos formales y musicales para comprender el mensaje que está plasmado en  el papel y para diseñar, elegir o crear un sonido que luego va a construir con su agrupación.  De esta manera la capacidad de tener una audición consciente, analítica, detallada y sensible hará de este músico un profesional mejor preparado.

La audición del director cumple diversos objetivos, los cuales podremos dilucidar partiendo de la siguiente visión: La música coral fundamentalmente consta de dos grandes elementos que son la música en sí, con todo lo que ella comprende, y el texto. Con ello quiero separar “la emisión cantada” de “lo que se pronuncia”, sólo para fines de trabajo detallado y didáctico. En el resultado final, ambos forman un todo que es la interpretación.

En el área de la música propiamente dicha, podemos desglosarla en melodía, armonía y ritmo. El director debe cerciorarse de que lo que se canta deriva de una correcta lectura de la partitura. Ello implica que debe estar atento, en principio, a:

• Notas cantadas correctamente en cuanto a entonación y exacto valor, según lo escrito en la partitura o con las duraciones que el director, fruto de un previo estudio de la partitura, haya propuesto.
• Ritmos precisos, no sólo en cada “cuerda” o sección del coro sino también en el conjunto vocal
• Una articulación justa
• Una buena entonación armónica y melódica
• La simultaneidad y acoplamiento de las voces
• Las respiraciones ajustadas a su propuesta
• Un pulso constante y sujeto a una lectura correcta y/o al gesto  fruto del estudio previo realizado por el director
• La lectura de los símbolos del lenguaje musical, no limitada a notas, ritmos y silencios
• La calidad vocal del grupo, tanto en el empleo sano de la voz como en la búsqueda de un sonido que estéticamente sea el propuesto por el director
• La expresividad de las líneas melódicas
• El tipo de sonido necesario según lo demande la obra
• El balance de las voces, el destacar la idea principal, y demás implicaciones del trabajo interpretativo

En el área del texto, debe estar atento, en principio,  a:

• Una dicción clara que permita la comprensión del texto
• Que la pronunciación esté ajustada al ritmo
• La correcta fonética del idioma que se esté cantando
• La calidad sonora de las vocales y consonantes, que deben ser homogéneas en cada sección o cuerda del coro y también entre sí
• La expresividad del texto, referida en este punto a la organización del peso o importancia que el director adjudique a las sílabas en función de lo expuesto en la partitura
• La limpieza de los cierres o finales de frases  especialmente cuando terminan con consonantes

Son estos  algunos elementos que pueden ayudar a la audición del director, sin embargo, no son los únicos ya que cada agrupación puede presentar casos diversos que el director deberá detectar y resolver, y de la misma manera, el repertorio coral es tan vasto que seguramente contempla otros aspectos que no están mencionados en la lista anterior. Hay situaciones específicas, como por ejemplo la acústica del lugar donde se ensaya o donde se realizará el concierto, que también implicarán una atenta escucha del director para realizar posibles cambios. Así mismo, la posición de los coralistas repercutirá en el sonido que se desee. Es por ello que la idea principal es que el director esté en constante búsqueda de lo que hay que escuchar y para qué.

A CHOIR FOR A WEEK: Alpe Adria Cantat 2010

I entered the room. There were about 27 persons and five minutes left to begin our first rehearsal. In those minutes the group was complete. Mostly from Italy, but also people from Slovenia, France, Belgium, Russia and Switzerland formed the “choir” of aprox. 40 singers that I had the good luck to work with for the atelier of Latin-American choral music. It was in Lignano, in the famous Alpe Adria Cantat organized by FENIARCO, where 4 more ateliers were being held with excellent conductors from different countries. We started on Monday and the concerts were on Saturday, as it happens in many festivals where not just the quality of the music is the main goal, but also the way the team works to obtain results, the efficiency of the rehearsals, the commitment of the group, in order to get the best of everything in a very short time.

I write “choir”, in quotation marks, because the first day is just a group of singers, some had sung together, others come from different choirs, others just like to sing but all of them are there to work, learn and give their experience to build together a choir in few days, while learning a repertoire that does not belong to their culture.

The ateliers in a festival are the best showcase of what a choir is. They are a challenge for the conductor and for the group, but the most beautiful experience of a festival is to be part of a living transformation, where a group of singers offer their confidence and merge their individualities so as to create a new collective identity with the contribution of everyone. Voices, movements, pronunciation, body expression, memory, feelings and the respect for the effort of the others, all this and more in an atmosphere of joy and companionship we witnessed during those days.

I give thanks to all the singers and to the organizers. And my affection to the excellent conductors with whom I had the pleasure to share that unforgettable week: Roberta Paraninfo (IT), Stephanie Miceli (GER), Jan Schumacher (GER) and Walt Whitman (USA).

Image: Alpe Adria Cantat 2010 Latin-American choral music Atelier Group

REPERTORIO CORAL: ¿CON PIANO O SIN PIANO?

Este ha sido un tema muy discutido a lo largo del tiempo. Hay coros que sólo cantan acompañados del piano y otros instrumentos, sin abordar el repertorio a capella. También hay quienes consideran que el canto exclusivamente a capella es signo de un coro de mayor nivel o capacidad. Pienso que debemos detenernos a pensar ¿qué buscamos?

Partiendo de nuestra premisa de que el coro debe siempre abordar nuevos retos y asumir repertorio que lo haga progresar como instrumento, el piano es una excelente herramienta para iniciarlo. No sólo por sus posibilidades melódicas y rítmicas, las cuales empleadas con buen tino pueden enriquecer una interpretación y hacerla más atractiva tanto para los coralistas como para el público, sino también porque ayuda a la comprensión de la armonía. En este sentido, no siempre tiene que ser utilizado duplicando las voces, sino más bien ayudando en el contexto armónico a que los coralistas canten afinadamente.

Durante los ensayos, el piano puede ser utilizado para dar ejemplos de conducción melódica, de disonancias, de 'clusters' y también para entrenar auditivamente al coro, por ejemplo, si el director toca un intervalo o un acorde y luego pide a sus coralistas que lo entonen, lo organicen (de agudo a grave, o al revés) e identifiquen. Ahora bien, sabemos que el piano es un instrumento temperado y la voz no, por ello es importante que poco a poco se vaya prescindiendo de su uso para llevar al coro a una buena entonación sin depender de él.

Como vemos el piano puede tener, no sólo un papel musical como acompañante, sino que puede ser utilizado también como herramienta pedagógica. Si consideramos que una pieza puede ganar en interés y sabor si "le metemos" el piano, no dudemos en utilizarlo. Somos formadores y somos intérpretes, por lo tanto tendremos criterio para usar este instrumento de manera que cumpla con los dos objetivos.

La Huella del Canto Coral (notas desde Vaison la Romaine)

Vaison la Romaine parece ser un destino que de alguna manera ha marcado a los coros que Alberto Grau y María Guinand han presentado a lo largo de los últimos treinta años en el festival Choralies. Este año participan la coral Ave Fénix y la Schola Juvenil de Venezuela. Para los primeros es la oportunidad de rememorar su primera visita, pues muchos de los cantores de Ave Fénix formaban parte de la CUSIB (Cantoría Universitaria Simón Bolívar) cuando hace treinta años asistieron a Vaison.

De la misma manera, un grupo de ex orfeonistas de la USB (años '80) ha organizado un reencuentro conmemorando su visita de hace 24 años, cuando el Orfeón de la USB participó también en el festival que hoy los reúne.

Y finalmente, la Schola Juvenil de Venezuela, los más jóvenes, vienen por primera vez a disfrutar de este canto coral internacional, de la experiencia de compartir su música y hacer cantar a otros nuestros ritmos, lejos de Venezuela.

Para ver todas las fotos de la presentación usar flechas, lado derecho

Es emocionante caminar por las calles de Vaison y encontrarse con un grupo de la Juvenil entusiasmado con las vivencias del Festival, más adelante con la peña del Orfeón emocionada por su reencuentro y en amena conversación con los de Ave Fénix, siempre alegres. Parece un alto en el camino, una encrucijada en la que representantes de tres generaciones se conocen, comparten y se ven reflejados unos en otros, cada quien con su historia, pero todos con la huella que el canto coral va dejando en sus vidas.

Mañana nos reuniremos todos para compartir un picnic. Seremos aproximadamente 140 venezolanos, algunos venidos de Caracas, otros cuyas vidas ya están floreciendo en distintos países, pero todos unidos por un mismo tronco: la musica coral en las manos de Alberto y de María.

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Nota sobre las fotos mostradas en esta entrada:

(1) Alberto y María con la Schola Juvenil en gira a Suecia/Francia, 2008 tomada de la página del Grupo Schola Juvenil en la red social Facebook.

(2) Coral Ave Fénix, foto publicada en Grupo de la red social Facebook sobre Alberto Grau.

(3) OUSB Generación 84-89, publicada en el Grupo Facebook del mismo nombre.

(4) Schola Juvenil de Venezuela, presentación fotográfica en concierto de despedida en Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, a cargo de Alejandro Sosa, quien elaboró un magnífico trabajo de fotografía para el coro.

Unos días alejada del Blog

Quien escribe este Blog se encuentra ahora mismo alejada de este espacio, por encontrarse compartiendo experiencias en otras latitudes...

Choralies 2010 - 2ter
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Concierto Inaugural, Choralies 2010 Vaison la Romaine

Coro: Schola Juvenil de Venezuela, de la Fundación Schola Cantorum de Venezuela

Directoras titulares: Ana María Raga / Luimar Arismendi

Festival Choralies, Vaison la Romaine, 2010

Fragmentos de:

Entre Pemones y Waraos (Ana María Raga)

Pata pa'cá (Alberto Grau)

Lo bailas sin querer (Ricardo Donado)

Apuntes sobre la Misa de Requiem de Juan Bautista Plaza (I)

"La vida no vale más que en cuanto el amor y

sus sacrificios inherentes la fecundan y la ennoblecen"

J.B.Plaza

Era el año 1933 cuando la madre del compositor venezolano Juan Bautista Plaza falleció después de una penosa enfermedad. El músico la atendía y cuidaba, mientras realizaba sus múltiples labores profesionales. Habían sido casi dos años de sufrimiento viendo a su madre padecer. En palabras de su esposa, Nolita Plaza: "...La tensión nerviosa de todo ese tiempo es algo dificil de imaginar. Juan quedó destrozado física y moralmente. En ese estado de ánimo, el día 17 de agosto del mismo año comenzó a componer la Misa de requiem, la que terminó el 20 de septiembre".

Y el mismo compositor, en una carta a uno de sus hermanos escribe: "Saber que he de seguir viviendo así, sin poder hacer nada por ella (no me refiero desde luego a lo espiritual ultraterreno, que de eso sobra ahora quien se ocupe), me es durísimo, pues me doy cuenta de que ese afán de atenderla, de vigilarla, de cuidarla, se había constituido, inconscientemente, en mi más pura razón de vivir..."

Refleja este Requiem ese dolor por la profunda pérdida. En él se siente su resignación, pero también la esperanza, la aceptación de la paz y del descanso final, que es por otra parte, final del dolor. Compuesta para coro de hombres y orquesta, también el compositor hizo una reducción para acompañar con órgano. Se estrenó en la Iglesia de San Francisco el 28 de Junio de 1934, siendo dirigida por el propio autor y cantada por la Tribuna de la Catedral de Caracas, interpretándose luego del estreno en un sinnúmero de ocasiones durante aquella época. La Misa de Requiem fue, durante su vida, una obra muy querida y apreciada por el compositor y es una obra maestra de la música sacra venezolana.

El 2 de Enero de 1965 se llevó a cabo la interpretación parcial de la Misa de Requiem, por la Tribuna de la Catedral, acompañada por el armonium en la casa El Plazolar y dirigida por Evencio Castellanos, como homenaje musical para el descanso eterno del insigne compositor y figura fundamental de la educación musical en nuestro país: Juan Bautista Plaza.

Estos apuntes que comparto con ustedes son producto de la lectura del libro "Juan Bautista Plaza una vida por la música y porVenezuela," de Miguel Castillo Didier, que he retomado a propósito del montaje que se realiza en estos días de esta magnífica obra, gracias al empeño de Vladimir Prado, excelente músico, gran amigo y compañero, radicado en Viena hace ya tiempo, y en el que he tenido el privilegio de participar en la preparación del coro, integrado por las voces oscuras de la Schola Cantorum de Venezuela y del Coro Sinfónico de FESNOJIV. El sábado 19 de junio se realizará este concierto.

Nota: La imagen al inicio de la entrada ha sido tomada de la página web de la Fundación Juan Bautista Plaza.

Entre Pemones y Waraos

En el video, Entre Pemones y Waraos, versión original para voces iguales. En la página sobre arreglos puede escucharse la versión para coro mixto, estrenada por el Coro Mundial de Jóvenes World Youth Choir de la edición 2009 que tuve el privilegio de dirigir junto con el extraordinario director Johan Duijck.

Hace pocos meses recibí un mensaje de correo electrónico de Federico, uno de los participantes, de Argentina, quien me hizo llegar una interpretación muy especial de Entre Pemones y Waraos, (versión coro mixto), del Coro del Colegio Nacional Almirante Brown. Dirige el maestro Ricardo Barrera.

El Canal de TV Encuentro, canal cultural público de Argentina, narra una historia en la que hace notar lo que puede significar la práctica coral en el entorno escolar para quienes de ella participan directa e indirectamente, tomando como ejes la vida de un integrante del Coro del Colegio Nacional Almirante Brown de Adrogué, Provincia de Buenos Aires y el proceso de montaje de una obra hasta su presentación en concierto. Gracias a los coralistas y a su Director por ese trabajo tan creativo y tan bien hecho y a Federico Neimark por ser promotor y partícipe directo de esa iniciativa.

Puede verse la historia completa en los videos que anteceden al que comparto con ustedes:

Parte I

Parte II

Algunos Tips (metodología de ensayo)

Es este un tema donde tanto hay que decir, y a la vez, es este un medio donde la información requiere ser tan inmediata, que comenzaré por dar algunos "tips" que puedan ser de utilidad para los directores.
Prepare siempre lo que va a trabajar en el ensayo. No se aparezca frente al coro sin saber qué quiere, sin tener una idea del sonido que busca, sin conocer lo que debe escuchar. En cuanto el grupo note que el director no está preparado, el respeto puede perderse y costará mucho trabajo recuperarlo, si es que eso fuese posible.
Aunque esté trabajando una articulación, o la conducción de una frase, o la pronunciación correcta de un texto, no descuide la exigencia de la afinación y la correcta emisión vocal. Cantar bien y afinado debe ser un hábito y para ello hay que hacerlo notar toda vez que sea necesario.
Al trabajar determinado pasaje con una de las cuerdas o voces del coro, esté pendiente de que mientras tanto hay otros coralistas que no están cantando. Sea eficiente con su tiempo pero también con el de los demás. No dedique demasiado tiempo a un solo grupo del coro. Si el trabajo así lo ameritara, dígale a los otros que por favor brinden ese tiempo, para que ellos sepan que están siendo tomados en cuenta aunque no canten.
Dé instrucciones claras y precisas de lo que quiere. Cuando necesite repetir un trozo, no lo haga sin antes decirle al coro por qué requiere hacerlo. Ojo: explíquelo también y con más pertinencia si el coro es de niños. Lo merecen, aprenderán y estarán más pendientes la siguiente vez.
Cuando requiera mejorar la manera de cantar de algun coralista, trate de hacérselo saber de una forma positiva. Especialmente si el coro es de adultos, es un buen ejercicio pedir lo que se quiere y no decir lo que no se quiere. Recuerde que al hablarle a uno, lo está haciendo frente a todo el coro, por lo que esta persona agradecerá que no exponga sus errores sino que le diga las cosas como sí quiere que sean.
Si se diera el caso en el que hay un trozo que no sale bien y usted no lo pudo prever ni preparar posibles soluciones, márquelo y déjelo para el próximo ensayo, cuando tenga oportunidad de pensar con tiempo la mejor manera de resolverlo.
Una de las proezas más difíciles de lograr con nuestros coros, sean de niños o de adultos, es que hagan silencio una vez que dejan de cantar. Que no comenten entre sí. Es la labor educativa más ardua y lamento decir que con menos satisfacciones, pero pienso que esto se debe simplemente a que hay que enseñarlo con la misma insistencia con la que trabajamos la afinación o el comenzar juntos. Animemos a nuestros coralistas a no temerle al silencio.

¿Qué hay en una cabecita tan chiquita? Reflexiones sobre iniciación coral

La inteligencia y madurez de los niños entre 4 y 6 años es algo que muchos desconocemos. Por ello damos por sentado que al ser niños, no es necesario darles explicaciones y los limitamos a lo que nos enseñan que es 'ser niño'. Cuando juegan se divierten (no piensan), cuando cantan se distraen (no trabajan), cuando insisten en decirnos algo no les hacemos caso a la primera porque seguramente es una tontería infantil (y no se sienten respetados). En fin, no pretendo decir con esto que los adultos que los rodean son personas malas y desconsideradas. No. Pienso que esos tratos y maneras de pensar tan comunes son producto simplemente del desconocimiento y esto nos lleva a limitar a nuestros niños a lo que nos imaginamos que ellos deben poder realizar y no los estimulamos a potenciar y cultivar las destrezas y conocimientos que ellos en realidad tienen o pueden adquirir, porque pensamos que son "pequeños".

En una clase de iniciación coral, el niño trabaja distintos aspectos que brindarán beneficios para su inteligencia, madurez, carácter y manejo corporal además, claro está, de sus destrezas musicales. Aprende a usar adecuadamente su voz, concientiza el hecho mismo de la audición, es decir, escucha y piensa, piensa y escucha. Realiza ejercicios de disociación rítmica que benefician su psicomotricidad y concentración. Aprende el lenguaje musical e interpreta sus símbolos. Organiza los sonidos según su altura. Cultiva la intuición y la creatividad. Hace preguntas y comentarios pertinentes que sorprenden a medida que la actividad es más compleja. Observa y es capaz de comentar el desempeño de sus compañeros. Compara, deduce, propone. Es capaz también de sentir y comprobar su propio progreso y el del grupo, mostrando una satisfacción por el logro que lo motiva a seguir adelante. Así mismo, bien guiado, es capaz de concientizar sus errores, sean estos musicales o de actitud, convirtiéndose en una persona mejor. Para eso no hay edad, todo momento es aprovechable. Los invito a probar estas afirmaciones. Si están cerca de algún niño pequeño que participa en un grupo de iniciación coral conversen con ellos, pregunten. Se quedarán sorprendidos con sus respuestas y ellos agradecerán que los traten como personas que piensan. Eso son, sólo que con menos añitos recorridos.

Vocalizaciones

Es el nombre que usualmente se da al tiempo dedicado a hacer ejercicios vocales para "calentar la voz" al principio de cada ensayo. Me gustaría que pensáramos un poco para qué es este tiempo, qué podemos hacer en él, qué es lo que en verdad nos interesa. A ver, tenemos un coro con el cual queremos cantar canciones de distintas características y necesidades. Ese coro está formado por gente (adultos o niños), con diverso nivel de canto y sabemos que un coro debe sonar homogéneo, como una sola voz, donde no sea posible reconocer el timbre de ningún cantor porque se mezclan entre sí para formar el sonido del coro: Su huella. Es decir, nuestro trabajo como intérpretes involucra un área que implica enseñar a cantar y enseñar a escuchar. Somos unos pianistas que debemos construir el piano mientras aprendemos una sonata. Es por ello que ese tiempo previo a cantar las obras propiamente del repertorio es crucial para generar la actitud necesaria para cumplir con todos los objetivos del ensayo. "Calentar" la voz con ejercicios mecánicos que suben y bajan de semitono en semitono, duplicados por un piano que no nos permite escuchar ni les permite escucharse a ellos, sin nigún tipo de meta clara o un "para qué", definitivamente no tiene sentido, se pierde el tiempo, y el coro entra en una rutina que querrá saltarse en el próximo ensayo. Por lo tanto, las actividades que se realicen en ese tiempo dorado, para mí el más valioso del ensayo, deben ser tan planificadas como los objetivos que queremos cumplir ese día en el repertorio. Imaginemos un coro de niños. Pensemos que ese día queremos que ellos comiencen a cantar a dos voces (con esto perseguimos concentración y concientización auditiva), aumenten su tiempo de espiración (logro vocal) y estén atentos en mantener la afinación (siempre). Hay un ejercicio que logra estos tres objetivos en sí mismo. Por ejemplo, dividamos al coro en dos grupos y hagamos que todo el coro entone la nota Fa. Para ello, que respiren correctamente y una mitad cante "uno, dos, tres, cuatro, uu, uu, uu, uu" mientras la otra mitad lo hace al revés, es decir, "uu, uu, uu, uu, cinco seis, siete, ocho". Ambos grupos deben comenzar a la misma vez, mientras unos cuentan los otros dicen "u" y luego se intercambian. Decirles que lo deben hacer con una sola respiración, sin que la nota "tiemble" al final y escuchando que todos cantan la misma nota. Luego hacemos que un grupo cante eso mismo pero en la nota Do aguda, por ejemplo, mientras el otro grupo mantiene el Fa. Dependiendo del progreso del coro, en el siguiente ensayo se pueden elegir dos notas contiguas, por ejemplo fa y sol, donde los niños escucharán una disonancia, o también podemos variar el ejercicio aumentando los grupos del coro y por ende la cantidad de notas simultáneas que van cantando. También podemos con el mismo ejercicio ir aumentando la cuenta, es decir, retarlos a ver hasta qué numero pueden llegar cantando con una sola respiración.

América en la batuta de Gustavo Dudamel

No importa si se es coralista, público, músico, director o melómano, presenciar un concierto dirigido por Gustavo Dudamel deja una huella tan profunda en los ojos y en el alma que después de eso, la manera de disfrutar la música ya no será la misma.

El programa musical de la gala del primer festival “América y los americanos”comenzó con The Promise of Living, de la ópera The Tender Land, bellísima obra de Copland en la que se construye una curva perfecta a medida que se involucran más instrumentos de la orquesta. Copland realiza aquí una introspectiva versión orquestal de Zion's Walls, himno popular de su tierra. Se luce nuestro director en el manejo y control de la tensión, sin romper la línea del discurso musical y resaltando la belleza y sublime emoción de esta obra.

Como segunda interpretación las Danzas del Ballet Estancia, de Alberto Ginastera, famosa obra conocida especialmente por el público venezolano que ha seguido el desarrollo de nuestro movimiento orquestal. Estas cuatro danzas, que parecieran compuestas para hacer lucir a la orquesta, son un manjar exquisito, aún más bajo la batuta de Dudamel. No es posible resistirse a la seducción de los ritmos, a la fuerza del malambo argentino. Tampoco se puede reprimir la sonrisa en nuestros rostros por la alegría contagiosa de esta música bien hecha, mientras lo vemos a él, mandando y bailando, dirigiendo y permitiendo el fluir de la orquesta, canalizando el discurrir por el cauce natural y luego, el final, que ya viene acompañado de aplausos que no alcanzan a ser contenidos hasta el último compás.

Para cerrar, la Cantata Criolla, del venezolano Antonio Estévez, acompañada por recursos extramusicales (imágenes, subtítulos con los versos traducidos y textos entrelazando distintas voces de la literatura americana, leídos por tres famosos actores) que colaboran en la comprensión del argumento poético. Dudamel de nuevo, con su ímpetu, pasión y la fuerza que sabe emplear a través de sus gestos y precisos movimientos, logra que la audiencia sienta el calor y la alegría de los llanos venezolanos, ayudando a la orquesta a adentrarse en uno de los ritmos más complicados que existen, especialmente para un foráneo: el joropo. Vemos aquí a un director distinto. Su papel ahora es acompañar a los excelentes solistas, tenor y barítono, en quienes reside el protagonismo musical. Dudamel ejerce esta función con el perfil justo, comandando a la orquesta y permitiendo que el interés se centre en Florentino y el Diablo, para luego de la porfía, volver a iluminar el podium con su energía mientras anima al coro y a la orquesta a lograr un final de gran sonoridad para un brillante cierre de un concierto que fue un viaje por tierras norteamericanas, argentinas y venezolanas, donde no hubo fronteras, donde el idioma fue el mismo y las tres obras parecían pertenecer a una suite llamada América.

Créditos:

Director Musical: Gustavo Dudamel

Producción: Eloísa Maturén

Dirección: Alberto Arvelo

Tenor: Aquiles Machado

Barítono: Gaspar Colón Moleiro

Actríz: Helen Hunt

Actor: Edgar Ramírez

Actor: Erich Wildpret

Escritor: Guillermo Arriaga

Coros: Schola Cantorum de Venezuela, Directoras: María Guinand y Ana María Raga

Los Angeles Master Chorale, Director: Grant Gershon

With whom we work? Rehearsing with children and adults

Our musical instrument is formed by people, adults or children. If we conduct a children's choir we should know what they are able to do, how do they think, what do they expect. I believe that children love challenge. They like to be challenged and prove that they can do better than they did before. Challenge is the best motivation. When rehearsing a song, make three of them sing in front of the others, and then ask the others how did their companions do. By doing this we are working on their artistic courage when they have to defend their work in front of the choir. We also help to develop their sense of critic when their team-mates have to speak about what they listened, and to do it properly, based on positive comments.

I also believe children deserve to be informed. This means that when we need to repeat a music fragment we should tell them why are we making them sing it again. Tell them what has to be improved. We also should tell them why do we want to sing this or that song. For example: "we will learn this because is written in another language and is good and interesting for choirs to sing in different languages", or "we will sing this song because the message is beautiful" or "....because it has a complex rythm that I am sure we can accomplish this with success"or "....it belongs to a folk theme of another country" or " ....beacuse themusical language is totally different from what we have done", etc. This practice will also help us to choose a repertoire because will make us think in the purpose of our selections.

Finally, in my writings of today, I would like to add that I believe children love to laugh. Let´s make them enjoy the rehearsal with some surprising comments that could make them happy, some improvised jokes about something that happened in the moment. Local funny comments that can make them be aware of the things that are going on in the rehearsal so they lose if they don't follow up.This is not only to make them happy but also to be attentive.Remember that the conductor should be creative and if working with children, also needs to be quick minded. So, surprise them with an unexpected comment that can help catch their attention in those moments where some would be distracted. They will trust in you a lot more if you get to understand their humor.

Qué se quiere

Antes de decidir un repertorio e inclusive antes de realizar una prueba de audiciones para nuevos coralistas es importante que el director o directora de la agrupación se pregunte qué tipo de coro quiere, en el caso de poder decidirlo, claro está, pues a veces el objetivo del coro viene implícito al pertenecer a una determinada institución. Aún si es un coro de niños, hay caminos distintos que se pueden recorrer. Por ejemplo, formar un coro para cumplir compromisos de música sacra, o un coro de ópera, o un coro para concursar, etc. Conocer este panorama permite tener un perfil más claro de los candidatos que integrarán el coro. En este blog me referiré a coros formados por personas que pueden o no leer música, que quieren cantar tan sólo por el gusto de hacerlo, es decir, coros donde a nadie se le dirá que no es apto para cantar, todo lo contrario, se abrirán las puertas para que todos aprendan de todos. Es sumamente satisfactorio observar el progreso de las personas a medida que ensayan en el coro. He visto este progreso no sólo en niños, de quienes es común esperarlo, sino también en gente adulta, con muchos años cantando de una manera y que poco a poco logran mejorar su emisión y su velocidad de aprendizaje.