martes, 2 de mayo de 2017

Alberto Grau: Cuando el Arte trasciende


Quien escribe estas líneas conoce a Alberto Grau desde los años ochenta. A lo largo del tiempo, desde la etapa de la infancia hasta hoy, he sido su coralista, alumna y colega en el trabajo musical.
La trayectoria de Alberto, catalán de origen y venezolano por adopción, da frutos en los distintos campos con los que se relaciona la música coral: composición, interpretación,  formación y educación.
Comparto este artículo, como homenaje a quien es mi Maestro y el de muchos otros en el quehacer coral, en este año 2017 en el cual cumple 80 años, porque en estos días su ejemplo y su pasión pueden ser inspiración para seguir siendo fieles a la tarea que el arte nos ha encomendado, en medio del tiempo complejo en el que nos toca vivir.
Los invito a conocer más a este artista. 
En el campo interpretativo:
La manera en que Alberto Grau transforma la música escrita en música para ser sentida ha marcado el desempeño no sólo de los directores o estudiantes que han cantado en sus coros, sino también y especialmente ha marcado a coralistas de varias generaciones, quienes reconocen en él a un líder que ha influenciado sus vidas sensibilizándolos no sólo ante el hecho musical sino ante su papel en la sociedad, pues Grau ha hecho del canto coral una escuela de vida.
Como director destaca su desempeño al frente de la Schola Cantorum de Caracas (hoy de Venezuela), de la cual es fundador, iniciando con el famoso triunfo en el concurso Guido D’Arezzo (1974); continuando con nuevas propuestas interpretativas del madrigal venezolano y siendo referencia en la interpretación de otras obras polifónicas, especialmente del renacimiento español. También al frente de la Schola Cantorum fue impulsor en la difusión del repertorio sinfónico-coral, cultivando esta actividad en el seno del movimiento orquestal venezolano.
Dio a conocer el repertorio coral emblemático de la música coral catalana en Venezuela. Canciones como el “Noi de la Mare” son elegidas como “canto común” en los festivales corales nacionales, pues pertenecen ya al repertorio de los coros que hacen vida en nuestro país. Esta ha sido una contribución al acercamiento entre culturas que propicia el canto coral.
Así mismo, por la versatilidad con la que Grau definió el perfil de la Schola Cantorum de Venezuela, hoy bajo la dirección titular de María Guinand y la dirección asociada de Pablo Morales, se ha difundido el repertorio coral universal de distintas épocas y estilos, hecho que se puede ver reflejado en las diversas grabaciones (más de 30) que han quedado registradas a lo largo de 50 años de trayectoria que se cumplen este 2017.
En el área de la composición:
No sólo por su amplio catálogo de obras, en su mayoría corales - algunas merecedoras del Premio Nacional de Música (Venezuela) y otras reconocidas con diversos premios internacionales - sino por la propuesta musical que en ellas plantea, Alberto Grau es un autor con frecuencia requerido por distintas agrupaciones del mundo al momento de estructurar sus repertorios. Coros como los del proyecto World Youth Choir (Europa Cantat/International Federation for Choral Music/Jeunesses Musicales International), el Coro Nacional de España, el Coro Juvenil Kamer, de Letonia, y muchos otros coros de los diferentes continentes han interpretado su música.
Su obra coral infantil inspirada, entre otras fuentes, en las premisas fundamentales de Emil J. Dalcroze, ha contribuido a renovar el gusto de los niños por la actividad coral, al convertir cada interpretación en un reto personal en el que el niño debe combinar la expresión musical con el movimiento corporal.  Hoy en día, el repertorio coral infantil de Alberto Grau es tema de tesis de grado en distintas universidades  y es solicitado como material de trabajo para talleres internacionales de formación de directores. En la experiencia de quien escribe, como formadora de directores y al frente de coros infantiles y juveniles, los jóvenes que han sido formados con este tipo de repertorio demuestran mayor facilidad para la comprensión del canto como un fenómeno orgánico, afinándose su disociación psicomotriz y por ende su concentración.
En cuanto al repertorio para coro mixto, de su calidad dan muestra las prestigiosas instituciones corales del mundo que han encargado obras a este gran compositor, entre otros, el Simposio Mundial de Coros (2006), el Singapur Youth Choir (2003), el Festival Songbridges (2002). Como arreglista destacan sus aportes a la difusión de la música popular venezolana, así como de otras culturas, como la hebrea, la catalana y la gallega. Sus arreglos forman parte del repertorio de muchos coros venezolanos, tanto mixtos como de voces iguales.
Desde el punto de vista de su impacto como creador en el contexto iberoamericano, “La Canción del Regreso” (“La Balada del Retorn”, en catalán), realizada por encargo del Liceu de Barcelona, Cataluña-España y estrenada en 2010 por más de 20.000 niños en edad escolar en Barcelona, Madrid, Salamanca y Caracas, además de ser significativa como propuesta musical, lo es aún más por el mensaje educativo que deja tanto en los coralistas como en la audiencia. La obra plantea la realidad del exilio, los efectos de la guerra y contribuye a sensibilizar sobre la realidad de las migraciones y a estrechar los vínculos iberoamericanos, sembrando conciencia a través del hecho artístico. Este año 2017 se estrenará en el Carnegie Hall de Nueva York su más reciente composición para niños y orquesta, La Avispa Brava, basada en un poema emblemático de Aquiles Nazoa.
En el área formativa:
El aporte de Alberto Grau a la actividad coral venezolana va mucho más allá de su faceta compositiva. Su labor como formador de directores ha contribuido a dignificar y abrir caminos para la carrera musical de los directores corales en Venezuela. Fundó la Cátedra de Dirección Coral que fue el germen de la profesionalización del área que actualmente conforma un sistema que incluye pregrado y maestría (Universidad Nacional de las Artes, Universidad Simón Bolívar, respectivamente), beneficiando a estudiantes nacionales y extranjeros.
La influencia que ha tenido en sus alumnos ha multiplicado exponencialmente la creación de coros en el país, fomentando esta actividad en agrupaciones que pertenecen a empresas del Estado, a instituciones privadas, a instituciones escolares, universidades, clubes de esparcimiento, afirmación ésta que se puede comprobar cuando observamos que muchos de los líderes de estas agrupaciones han estudiado con Alberto Grau.
Su aporte no se limita a la actividad como docente. También ha escrito dos libros: “La forja del director” en el que plasma parte de su experiencia e instruye a los lectores sobre el arte de dirigir coros; y “La forja del compositor”, en el que comparte su experiencia como compositor de obras corales, así como valiosos aspectos de este quehacer vinculándolo de manera estrecha con el ejercicio de la dirección. Además, Alberto es invitado continuamente, a lo largo del mundo, a dictar talleres y charlas sobre temas de dirección coral.
En el área educativa:
En este punto deseo referirme fundamentalmente a su relación con los coros de niños. Por lo que se observa en los textos escogidos para su posterior composición musical, el autor suele elegir obras que dejan un mensaje formativo o concientizador. La “Opereta Ecológica”  es un claro ejemplo de sensibilización hacia el río, el mar, el árbol y el viento, que paralelamente da a conocer la poesía de un reconocido autor venezolano, Jesús Rosas Marcano. De la misma manera ha utilizado textos del precursor de las letras en América, Andrés Bello, de quien ha compuesto distintas obras como “Los Duendes”, acercando al autor de estos textos a los niños venezolanos. También elige fábulas clásicas, como las de Samaniego y de Iriarte. En cuanto a la música venezolana, también ha sido reelaborada y presentada a los niños con su lenguaje nuevo de canto y euritmia, acercándolos al folklore desde una perspectiva atractiva y refrescante.
Grau fundó los Pequeños Cantores de la Schola, sistema de agrupaciones de coros infantiles que actualmente pertenecen al proyecto Construir Cantando, el cual comprende una serie de núcleos en distintos estados del territorio venezolano. La evolución del programa ha dado lugar al surgimiento de la Schola Juvenil de Venezuela, abriendo espacios para la promoción del canto coral en la adolescencia y la temprana juventud, fomentando también la creación de repertorio para ese tipo de agrupaciones. 
En el ámbito internacional destaca su participación como asesor en el programa Música para Crecer, del Banco de Desarrollo para América Latina CAF, cuyo componente coral está a cargo de la Fundación Schola Cantorum de Venezuela. Este programa busca promover el desarrollo humano sostenible en los niños y jóvenes de Latinoamérica que se encuentra en situación de fragilidad social.
Como maestro, no pierde oportunidad de enseñar el canto y la expresión musical como algo natural, en una búsqueda constante de excelencia y honestidad como artista. Hoy volví a asistir a uno de sus ensayos. Contemplarlo dirigir es presenciar la transformación de notas, ritmos, símbolos, en emociones que trascienden de la partitura al espíritu: una experiencia mística que compromete porque nos recuerda la trascendencia de la tarea del artista.

Nota Final: Con Alberto Grau canté cuando era director del Coro Juvenil de la Escuela de Música Juan Manuel Olivares. Posteriormente entré como pianista acompañante y coralista en la Schola Cantorum de Caracas, hoy de Venezuela, cuando él la preparaba para asistir al II Simposium de Música Coral celebrado en Suecia, Finlandia y Estonia (1990). Junto a él trabajé como Subdirectora del Coro del Banco Consolidado. Bajo su tutela desarrollé mis estudios de dirección coral. Fui asistente y directora asociada de la Schola Cantorum de Venezuela de la Fundación Schola Cantorum de Venezuela, organización de la que formé parte durante casi 30 años, teniendo el privilegio de haber trabajado con el maestro de manera cercana. Alberto Grau siempre ha estado a la disposición para asesorar el trabajo artístico de las agrupaciones bajo mi dirección en la Fundación Aequalis.


lunes, 24 de abril de 2017

Why To Attend A World Symposium on Choral Music


I would like to encourage you to participate in the XI World Symposium on Choral Music to be held in 2017 in Barcelona, Spain. The experience of a Symposium may be different for everyone, certainly, but in my case, having witnessed the 1990, in Sweden, Finland and Estonia was decisive to enter the world of choral conducting. At that time it was a rediscovery of the potentialities of choral music from all the aspects that are needed to make it happen.

A  Symposium of choral music is an event specifically thought for choral conductors, which means that the planning is focused to nourish all the areas related to fully exercise this discipline.

At the level of technical knowledge, the Simposium will offer 4 master classes with renowned choir directors; each dedicated to his/her area of expertise.

There will also be lectures on various themes  that have to do with the topics selected to serve as a cross-cutting axis in the Colors of Peace, the motto of the Symposium. These topics are:

 • What is the connection between the past and the present in choral creativity?
 • How can managers continue to learn, and what is it about?
 • Who builds a choir and how?
 • What other extramusical resources are available?

The Symposium offers the opportunity to attend various conferences by speakers from different parts of the world.  This information is already available in the web page of the Simposium.

Of course, the concerts will be the best attraction. The choirs were selected among a huge quantity of high level candidates so the Simposium will also be an opportunity to see diverse proposals and repertoires interpreted by outstanding choirs from different continents.

If it were not enough, it will be possible to review scores of the best-known publishing houses that will be present exclusively for the choral event. All gathered in one place.
Every morning will take place the ‘morning singing’, where the participants of the Symposium are invited to meet and sing led by a different conductor who will share his/her own way of warming up ,  preparing the choir for singing as well as  rehearsing method to read the works. This activity is undoubtedly one of the best moments for sharing and is the real core of choral singing: sing together.

All this will be happening in one of the most attractive cities in the world: Barcelona. It will be difficult not to escape for a moment to enjoy a rich Catalan cream or a ‘pa amb tomaquet'.

The official language will be English.

I encourage you to plan ahead and set this goal for July, 2017. 

We are living convulsive times and it is precisely now that we must work for the Colors of Peace.


Web WSCM11: http://www.wscm11.cat

Artistic Committee: Representing IFCM: Ana Maria Raga (Venezuela),
Ko Matsushita (Japan), Junita van Dijk (South Africa) and Philip Brunelle (USA). Representing FCEC: Xavier Baulies, Raimon Romaní and Josep Vila (Catalunya, Spain). 

domingo, 23 de octubre de 2016

La Composición y la Dirección Coral


La dirección es una disciplina que se nutre de diversas áreas del conocimiento. Quiero en esta oportunidad referirme a una de ellas, la composición.  Aun cuando es un área propia, independiente y compleja, se hace necesario que la persona al frente de una agrupación coral maneje algunas herramientas que le permitan analizar y sacar un mejor provecho de la partitura para beneficio de la interpretación.

¿Qué hace un compositor? Cada uno tiene una forma personal de escribir, una propia fuente de inspiración y un objetivo definido para cada obra, sin embargo, en todos es común la facultad de escribir aquello que en un principio sólo suena en su mente creadora.  Cuando la partitura llega a manos del intérprete, no basta con reproducir lo que allí está escrito. Eso sólo hará sonar lo que limitadamente puede contener el lenguaje musical. Lo mismo logra una pianola, es decir,  una reproducción de alturas y duraciones con  velocidad determinada y quizás con variaciones de intensidad, pero esto no es  Música ni lo que el compositor quiso plasmar.  No basta entonces para el intérprete el conocer los símbolos y toda la escritura musical. Es fundamental, pero hace falta más.

En el párrafo anterior comentaba que el compositor tenía una idea sonora antes de escribir. A las manos del intérprete llega la forma escrita, el resultado final.  ¿Cómo podemos acercarnos a esa idea original?  ‘ Apuntando al espíritu volador del pájaro más que a sus plumas’ (Robert Henri).  Haciendo el camino contrario del compositor. Partiendo de lo escrito hasta el momento antes de estar plasmado en papel.  Es en este ‘dilucidar’ cuando nos formulamos preguntas: ¿qué sentido le dio el compositor a esta sección del texto?, ¿por qué lo resolvió rítmicamente de esta manera? ¿qué busca con un cambio de textura en este determinado lugar? ¿Cómo es el tratamiento de la melodía principal y qué busca?¿qué significado hay detrás de este silencio? …

 Elizabeth Green, directora estadounidense, decía que  el proceso de la interpretación era como resolver una historia de misterio: ‘…Uno está constantemente buscando pistas para el verdadero significado detrás de las notas. El espíritu de la música es una cosa intangible. No  puedes alcanzar y tocarlo. No lo puedes ver flotando en su momentánea existencia. Pero lo puedes sentir… Mientras más fuertes sean los poderes de la imaginación de aquellos que producen la música, más potente será el resultado final’.  Por lo tanto, mientras más pensemos desde el punto de vista del compositor(a), más probable será que la interpretación se aproxime a su idea original.

En resumen, imprescindible es conocer todas las herramientas del lenguaje musical que serán de utilidad para leer lo que está plasmado en la partitura. Necesario es analizar el texto y la música, hacernos preguntas, pensar en diferentes opciones que puedan desprenderse de lo escrito, sin tergiversarlo ni modificarlo, es decir, respetando la obra y al compositor. Y siempre conectar con la emoción. No es una receta, la música no se puede limitar. Es una búsqueda constante y una perenne interrelación entre  emoción y razón.


‘El dualismo de sentimiento y pensamiento debe ser resuelto en un estado de unidad en el cual uno piense con el corazón y sienta con el cerebro’ (Georges Szell)

miércoles, 19 de octubre de 2016

Vocalización: Ideas claves y ejercicios sugeridos

La vocalización ¿Para qué?

En las vocalizaciones podemos trabajar:
  • Homogeneidad 
  • Balance
  •  Dicción
  • Precisión rítmica
  • Ataque
  • Intensidad
  • Efectos varios (piano súbito y crescendo, por ejemplo)
  •  Articulación
  •  Entonación melódica y armónica
  •  Retos que ofrece el repertorio que se está trabajando o se pretende trabajar
  • Destrezas varias referentes a técnica vocal
  • Flexibilidad
  • Ritmos diversos
  • Intervalos
  • Conducción musical
  • Respuesta del coro al gesto de quien dirige


Ideas Claves (tips para la vocalización)
  1. No desligar la vocalización del canto expresivo ni el ensayo de la vocalización.
  2.  No duplicar los ejercicios con el piano.
  3.  Saber exactamente el/los objetivos de cada ejercicio y compartirlo con el coro
  4. No repetir los ejercicios. Sorprender al coro. No crear rutina, sino estructura.
  5.  Estructura: relajar, respirar, cantar.
  6.  Respirar siempre con el coro y marcar claramente los inicios de los ejercicios con
  7. nuestro gesto.
  8. Iniciar con ejercicios de resonancia y luego intervalos descendentes.
  9. Diseñar una secuencia de ejercicios de progresivos retos.
  10. Cambiar el ejercicio una vez alcanzados los objetivos, es decir, no repetir por repetir.
  11. No necesariamente hay que subir por semitonos, variar en lo posible: sorprender.
  12. No vocalizar todo el tiempo con todo el coro, seleccionar cuerdas, personas, grupos, etc.
  13. Unir la vocalización con el momento del ensayo, por ejemplo, el último ejercicio realizarlo con el coro sentado.
  14. Vocalizar también en tonalidades menores
  15.  Hacer variaciones dentro de un mismo ejercicio (Mayor-menor, cambiar sílabas, articulaciones, intensidades, (etc.)


Algunos ejercicios sugeridos:



Voz pareja (homogeneizar):

Octavas:

Intervalos:
Dinámicas:



martes, 5 de abril de 2016

¿Por qué asistir a un Simposium Mundial de Música Coral?



Deseo animarlos a participar en el XI Simposium Mundial de Música Coral que se realizará del 22 al 29 de julio de 2017 en Barcelona, España. La experiencia de un Simposium puede ser distinta para cada quien, claro está, pero en mi caso, haber presenciado el de 1990, en Suecia, Finlandia y Estonia fue decisivo para adentrarme en el mundo de la dirección coral. En aquel momento representó para mí un redescubrimiento de las potencialidades de la música coral, desde todos los aspectos que se conjugan para que ésta exista.

Un Simposium mundial de Música Coral es una experiencia pensada para los directores corales, lo cual hace que la planificación del mismo esté dirigida a nutrir todos los flancos necesarios para ejercer a cabalidad la disciplina de la dirección coral.

A nivel de conocimiento técnico, el XI Simposium ofrecerá cuatro clases magistrales con reconocidos directores de coros, cada uno dedicado al área en la que más se ha destacado.
Asimismo, habrá conferencias sobre diversos temas relacionados con los tópicos seleccionados para servir de ejes transversales a Los Colores de la Paz, lema del Simposium. Estos temas son:
• ¿Cuál es la conexión entre el pasado y el presente en la creatividad coral?
• ¿Cómo pueden los directores seguir aprendiendo, y qué es eso?
• ¿Quién construye un coro y cómo lo hace?
• ¿Qué otros recursos extramusicales están disponibles?

El XI Simposium brindará la oportunidad de presenciar diversas conferencias, las cuales serán realizadas por ponentes provenientes de distintos lugares del mundo. Será interesante ver de qué tratarán las ponencias selecionadas por el Comité Artístico y quiénes serán los ponentes. El idioma oficial del evento será el inglés.

No faltarán, por supuesto, los conciertos. Los coros que se presentarán, de los distintos continentes, han sido seleccionados por el Comité Artístico, por lo que se trata también de una oportunidad para ver diversas propuestas y repertorios interpretados por agrupaciones de gran nivel artístico.
Por si fuera poco, en un mismo lugar será posible revisar partituras de las más conocidas casas editoriales, quienes estarán reunidas exclusivamente para el evento coral.

Para ver la lista de coros seleccionados: Coros en el XI Simposio Mundial de Música Coral

Todas las mañanas se llevará a cabo el canto matutino en el que los participantes del Simposium serán invitados a reunirse para cantar liderados por un director o directora, distinta cada día, quienes compartirán su manera de vocalizar y preparar al coro para el canto, así como su estilo para ensayar las obras que se leerán en ese momento. Esta actividad es sin duda uno de los mejores momentos para el compartir y es el corazón del quehacer coral: cantar juntos.

Y todo esto estará sucediendo en una de las ciudades más atractivas del mundo: Barcelona. Difícil será no escaparse un momento para disfrutar de una rica crema catalana o un ‘mel y mató’.
Les animo a planificarse con tiempo para asistir y plantearse esta meta para el 2017. Vivimos tiempos convulsos en los que se hace aún más necesario unir voces para que brillen Los Colores de la Paz.

Más sobre el XI Simposium Mundial para la Música Coral en: http://www.wscm11.cat

Miembros del Comité Artístico del XI Simposium: Ana María Raga (Venezuela), Ko Matsushita (Japón), Junita Van Dijk (Sur-África), Phillip Brunelle (EUA), Xavier Baulies, Raimon Romani, Josep Vila (Cataluña, España).

miércoles, 13 de enero de 2016

Concurso "Japan International Choral Composition Competition 2016" - recepción de obras hasta marzo 2016

Imagen tomada de la web ICCC Japan

La Tokyo Choral Alliance KOYUKAI en cooperación con Pana Musica Co., Ltd. organiza el Concurso Internacional de Composición Coral de Japón, en su edición 2016. Hasta el 31 de marzo de 2016 compositores de todo el mundo, de cualquier edad, profesionales o aficionados, tal como se describe en el Reglamento, traducido a continuación. Los invito a participar.

Reglas para participar (traducción):
1.- La Tokyo Choral Alliance KOYUKAI anuncia el concurso, llamado en inglés: ‘ Japan International Choral Composition Competition 2016 (ICCC Japan 2016)’, cuyo objetivo es promover la música coral a través de la creación de nuevo e innovador repertorio coral.
2.- La participación está abierta a compositores de cualquier nacionalidad y edad, profesionales o aficionados.
3.- El o la ganadora recibirá un premio de 100.000 Yenes japoneses y diploma.  Los autores de obras premiadas en segundo y tercer lugar recibirán un diploma. La obra ganadora será publicada por Pana Musica Co., Ltd. Según recomendación del jurado podría ser posible publicar las obras del segundo y tercer lugar.
4.- La participación en el ICCC Japan 2016 será acreditada al llenar el formulario que se encuentra en la página web (http://icccj.org) y enviar la obra compuesta y otros documentos (según sea el caso) a la oficina administrativa vía correo electrónico, y de pagar el derecho de participación.
5.- El ICCC Japan 2016 se dirige a composiciones corales catalogadas como sigue:
 * SATB a capella, cada voz puede ser dividida en un máximo de dos partes. No está permitido ningún acompañamiento, incluyendo percusión o trabajo corporal. * Duración: 3 a 5 minutos. La obra debe ser una en sí misma, no debe estar en forma de suite, i.e. constituida por múltiples partes. Establecer la duración arriba en la primera página de la partitura * Texto: Sólo en Latín, contenido profano o sacro. Si el texto no es de dominio público, se debe adjuntar al correo un pequeño escrito por el autor o el dueño de los derechos donde se permita el uso del texto. * Formato: PDF, exportado de Finale, Sibelius, o un programa similar. *No colocar el nombre del compositor en ninguna parte de la partitura.  Si hay autor del texto, éste debe aparecer claramente escrito. Se debe adjuntar a la partitura el texto original en latín y su traducción al inglés o al japonés
6.- La obra no debe haber sido estrenada, premiada o publicada con anterioridad. Se debe enviar una declaración estableciendo que la obra cumple con este requisito.
7.- Un mismo participante puede inscribir tantas obras como desee. Debe llenar un formulario por cada obra. 
8.- En referencia a los trabajos premiados que serán publicados, todos los derechos (copyright y publicación) pertenecen a Pana Musica Co., Ltd.
9.- Todas las obras deben ser enviadas antes de las 23:59horas del 31 de  Marzo 2016 GMT (16:59 31st March 2016 Pacific Daylight Time, 19:59 31st March 2016 Eastern Daylight Time, 00:59 1st April 2016 British Summer Time, 01:59 1st April 2016 Central Europe Summer Time, 08:59 1st April 2016 Japanese Standard Time).
 10.- Todos los materiales deben ser enviados por correo electrónico a: apply@icccj.org. No aplican otros métodos para participar.
11.- El costo de participación es de 4,000 Yenes Japoneses por composición. Favor hacer el pago via Paypal con moneda de Yen Japonés durante los 3 días posteriors al envío de la obra. Hay un enlace en la página de ICCC Japan para realizar este pago, de otra manera puede hacer el pago a  info@koyukai.info. Favor notificar a la oficina administrativa  (info@icccj.org) si el pago via Paypal no fuese posible.
12.- El jurado estará integrado por los siguientes miembros: Jefe del Jurado, John August Pamintuan (PH). Jurado: Javier Busto (ES), Rihards Dubra (LV), Levente Gyöngyösi (HU), Hideki Chihara (JP) El Comité Artístico apoyará al jurado. Director Artístico: Ko Matsushita (JP) 
13.- La primera ronda tendrá lugar a mediados de Mayo 2016. El título de las composiciones que califiquen en esta primera ronda serán publicados en la página del ICCC Japan. Seguidamente se hará la calificación final y los 1ro, 2do y 3er lugares premiados, además de la obra a ser publicada serán determinados alrededor de Junio 2016. No se hará un anuncio público de los resultados sino hasta la fecha mencionada abajo, sin embargo los ganadores serán informados vía correo electrónico.
14.- Los resultados del Concurso ICCC Japan 2016 serán anunciados en el 12th Karuizawa International Choral Festival (August 2016). La fecha y hora exacta serán anunciadas en la página de ICCC Japan. El estreno de los trabajos premiados estará a cargo del Metropolitan Chorus of Tokyo, dirigido por Ko Matsushita. El anuncio y el concierto serán difundidos mundialmente via  YouTubeLIVE. 
15.- Participar en la competencia implica conocer y aceptar todas estas regulaciones.
16.- La decisión del Jurado es final.
La lista completa de los documentos que deben ser enviados es:
 *La obra compuesta (que claramente establece su duración y en la que no aparece el nombre del compositor, en formato PDFt) 
*Texto en Latín
*Traducción al inglés o al japonés  
*Declaración de que no ha sido ejecutada ni publicada con anterioridad
*Permiso del autor del texto (en caso de que no sea de dominio público)

Contacto:
ICCC Japan administrative office, KOYUKAI 1-1-18-203, Nanakuni, Hachioji-city, Tokyo, 192-0919 Japón.
Correo electrónico: info@iccj.org
Tel./Fax.: +81 42 683 1465

miércoles, 23 de septiembre de 2015

Selección del repertorio de los coros infantiles: Niveles de progreso


Como directores corales de agrupaciones infantiles siempre tenemos la inquietud de cómo seleccionar el repertorio de acuerdo a las capacidades del coro y en función de qué debemos realizar esta escogencia. En primer lugar, es conveniente decidir cuál es el objetivo principal del desempeño de nuestra agrupación. Esto es, entre muchas posibilidades, pensar si el repertorio será  dedicado exclusivamente a una época específica, a un estilo particular, o si por el contrario, nos interesa una mayor versatilidad en la música escogida. Cualquiera sea nuestra decisión, será una inversión de tiempo realizar un plan de desarrollo de las capacidades de nuestros coralistas, lo cual se traducirá directamente en el progreso del coro. Por ejemplo, seleccionar el repertorio de acuerdo a los retos que presenta, teniendo cuidado en no elegir canciones que sobrepasen la capacidad de nuestra agrupación,  ya que lo anterior podría reflejarse en ensayos frustrantes y desesperanzadores.

Tomando como fuente el estudio ‘Diseño de un entorno virtual de aprendizaje para la mejora continua del director de coros infantiles  en Venezuela’, realizado por quien escribe ,como tesis de maestría,  comparto con ustedes un cuadro que puede aportar ideas concretas sobre el nivel de desempeño de nuestro coro infantil  y servir de base en la planificación de la selección de repertorio.

Este cuadro fue construido a través de los aportes obtenidos en entrevistas que brindaron generosamente los destacados y reconocidos directores: Alberto Grau (Venezuela), María Guinand (Venezuela), Zimfira Poloz (Kazakhstan/Canada), Elisenda Carrasco(Cataluña) y Maya Shavit (Israel). Tal como se ha escrito en anteriores entradas de este blog, en el momento del Director Intérprete se analiza previamente el repertorio a elegir. En este cuadro son considerados tres niveles de desempeño: Primer Nivel (etapa inicial), Nivel Medio y Nivel Avanzado (mayor experticia). Los ítems de las siguientes columnas se refieren al análisis de indicadores que el director debe realizar sobre las partituras que piensa seleccionar: construcción melódica, complejidad rítmica, expresividad corporal, idioma, relación entre las voces, tesitura y aspectos vocales.

Es importante destacar que esta herramienta busca organizar los criterios correspondientes a cada indicador, pero no debe tomarse de manera rígida e inflexible, ya que hay otros múltiples factores que también influyen en los niveles de desempeño de los coros. Espero que sea de utilidad para que los directores puedan hacer una selección de repertorio que vaya de la mano con lo que el coro está en capacidad de hacer, a la misma vez que lo prepare para abordar retos mayores que se reflejen en la satisfacción y el entusiasmo de los coralistas por la actividad coral que realizan.

Niveles Construcción Melódica Complejidad Rítmica Expresividad Corporal Idioma Relación entre las voces. Repertorio Tesitura y Aspectos vocales
Primer Nivel 3m,5tas, 8tv,4ts Justas. Frecuencia de intervalos conjuntos. Uso de negras, blancas, redondas y corcheas. Velocidades no muy lentas. Mov. Corporal puntual y sencillo. Expresión facial, movimientos en el pulso. Lengua maternal, otro idioma. latín Unísono. Usar instrumento acompañante de apoyo, preferiblemente. Cánones. Tesitura cómoda para el coro. Se aconseja que si la canción está en Do M, Fa M o Sol M, transportarla medio tono ascendente. El registro del coro es aproximadamente de Do central (3) a Mi bemol o Fa(4).
Nivel Medio Añadir semitonos Escalas M y m. Añadir 6tas. Ritmos con puntillos, tresillos. Combinaciones de palmas y pies en compases simétricos. Precisión rítmica. En todos los niveles el movimiento del cuerpo debe estar en función de la producción y expresión sonora. Algún otro idioma. La profesora Zimfira Poloz sugiere enseñar el Alfabeto Fonético Internacional. A dos voces, con imitaciones y no paralelas. Alguna canción a capella. Diferentes melodías a la misma vez. El niño debe ser capaz de cantar en armonía. Registro: de Si bemol (2) a Sol(4).
Nivel Avanzado Escala cromática. De tonos enteros. Cualquier combinación de intervalos y saltos melódicos. Síncopas, contratiempos y cualquier complicación rítmica. Combinaciones de palmas, pies y demás percusión corporal en compases irregulares. Precisión rítmica plena - Repertorio a tres voces o más, a capella y con acompañamiento instrumental. Lenguaje más contemporáneo. Polifonía. El niño debe ser capaz de cantar de manera independiente. La tesitura y extensión de las líneas melódicas se amplían a medida que aumenta el nivel, de Sol(2) a La (4)(dos octavas y sup.)

domingo, 22 de junio de 2014

Un ensayo con Alberto Grau

Imagen: Ensayo repertorio madrigales SCV, Junio 2014


Regados por el mundo hay muchos coralistas, venezolanos y extranjeros que han vivido la experiencia de haber ensayado con este gran maestro, precursor de la profesionalización de la dirección coral en Venezuela, más conocido últimamente en su faceta de compositor de obras corales, artista total.

Desde enero de este año, ha regresado al salón de ensayo, luego de algún tiempo sin dirigir, exclusivamente para trabajar un programa de madrigales venezolanos con la Schola Cantorum.

¿Qué trabaja el maestro? ¿cómo? ¿tiene algún secreto?
Escribo porque me mueve el compartir lo que se aprende con él, porque si pudiéramos repetirlo, haríamos un bien al mundo, a la gente, a través del Arte.

Pienso que todo en Grau inicia desde el respeto profundo por la música, como lenguaje, como fenómeno sonoro, como vehículo verdadero del sentimiento humano, ese que en la zona segura de un salón de ensayo o de una sala de conciertos, puede llegar a expresarse sin ningún tipo de temor y con toda confianza… si nos dejamos guiar. 

Lo segundo en importancia, a mi parecer, es que él no se permite llegar a un ensayo sin haber previamente preparado con todo detalle lo que quiere mejorar. Esto incluye, la selección de madrigales que trabajará en ese ensayo, la afinación de los trozos específicos que han presentado o pueden presentar problemas, balances, fraseo, calidad sonora, instrumentos y lo que van a hacer, movimientos del coro (quiénes, cómo y donde sean requeridos), etc, pero no sólo define los objetivos sino también ya tiene decidida la manera en que va a trabajar esos aspectos (por ejemplo, sólo ritmos sin canto, o voz por voz, o exclusivamente el trozo ‘problema’). Si es el caso, también hace explicaciones que puedan ayudar al coro a entender la intencionalidad de la música, por ejemplo, destacar los pies binarios, los ternarios.

Lo tercero, a mi criterio, es que Grau es como un pintor que ya vio en su mente los tonos de los colores que va a utilizar y no se conforma hasta obtenerlos, porque para él ya existen antes de que el coro sea capaz de cantarlos. Ensayo a ensayo los va trabajando, pacientemente, (aunque pareciera que no), con insistencia, repitiendo siempre con sentido y finalmente, cuando se logran, el coro lo siente, comprendiendo el por qué, tal como sería caminar por muchos kilómetros guiados sólo por la fe, para luego admirar un paisaje inesperado que demuestra el recorrido y cautiva por el descubrimiento de su belleza. Muchas veces estos momentos son irrepetibles.

Lo cuarto, aunque es inútil seguir enumerando, es su gestualidad. No parece que él hace música con sus gestos, sino que ésta lo busca para fluir a través de él, desde adentro. Son tan naturales sus movimientos y tan coherentes con su reflexión intelectual, que no hay lugar para el artificio. A veces dirige todos los detalles, en ocasiones, de manera premeditada, no hace gestos evidentes, logrando que el coro tenga que esforzarse en escucharse y no se confíe. En ocasiones juega con el coro, esperándolo para seguir juntos. Siempre hay creación y todo es nuevo, aunque la meta sea única.

Toda nota, toda sílaba, tienen un peso, una intensidad, un carácter y una intención específicos, siempre relacionados con el contexto. Trabaja por el justo equilibrio y el coro intenta responder a esos niveles. No lo hace porque la partitura tenga una indicación específica o porque el autor haya escrito con detalle lo que desea. Cuando decide cómo hacerlo es porque para él no existe otra forma de expresarlo. Y es entonces cuando el ensayo se convierte en una escuela de sentimiento, sacudiendo al coro con reflexiones sobre las emociones humanas, pero no con filosofía, sino recurriendo a su verbo claro, a su humor particular y efectivo y por encima de todo, a su propia y genuina pasión.

Alberto nos ha enseñado que un coro es una escuela de vida. Los que hemos tenido el privilegio de hacer música con él sabemos que es así. Y conocemos su secreto: Alberto Grau no se cansa nunca de pensar cómo hacer para que la música sea cada vez mejor.